Siempre Tuya...

Alberto Pancorbo

2011-11-28T20:08:00.000+01:00

Alberto Pancorbo nació en la ciudad de Soria, España, el 18 de abril de 1956. Comienza a pintar desde muy temprana edad en su ciudad natal. A la edad de 18 años se trasladó a la ciudad de Barcelona con el claro objetivo de dedicarse sólo a la pintura. En 1980 se convirtió en artista exclusivo de la Sala Gaudí (Barcelona), donde expone sus pinturas por primera vez en la feria internacional de arte de Basiela (Suiza).

Comenzó un período de exposiciones en diferentes ciudades de España y el extranjero. En muchas de estas exposiciones, obtuvo varios premios en diversos concursos artísticos. En 1985 realiza su primera exposición en Madrid y es galardonado con el premio "Artista revelación del año" por la revista Correo del Arte de Madrid. La primera publicación que detalla sus pinturas, la realiza en Barcelona en el año 1986 y luego se traslada a su nueva residencia en Bogotá, Colombia, donde proyecta numerosas exposiciones. Estas incluyen los Estados Unidos, México y otros países de América. Participa con éxito en numerosas ferias de arte y subastas de fama mundial como Sotheby's, Nueva York. En 1994, su libro "Labyrinths of the Core", publica la compilación de grandes selecciones de sus pinturas. El libro aparece en varias publicaciones de arte realista, así como otras publicaciones famosas. Sus obras se exhiben en diferentes colecciones públicas y privadas en toda América y Europa. En 1998 Pancorbo se muda a Miami donde vive en la actualidad, una ciudad en la que ha tenido numerosas exposiciones desde hace 16 años.

De joven, Pancorbo fue muy influenciado por surrealistas como Dalí y el clásico de Velázquez, El Bosco, entre otros maestros. Utiliza técnicas basadas en la atención cuidadosa a los detalles para la recreación de la realidad, con la fantasía de la artesanía medieval. De una combinación de variedad de habilidades técnicas y creativas, resulta su estilo tan personal de realismo romántico y fantástico. Su atención rigurosa a la perfección, ha logrado perfeccionar su obra, después de años de estudio de las cifras exactas, la arquitectura, la naturaleza muerta, la perspectiva, la composición y la naturaleza.

La base de su maestría técnica, es una educación completa del arte tradicional, un método de entrenamiento que proporciona la disciplina y la comprensión total de los medios de comunicación de la pintura. Con sus conocimientos y su extraordinaria capacidad para la pintura, crea su propio estilo original y personal, fuera de la formalidad de la tradición académica. Cualquier visitante de los laberintos de la imaginación de Pancorbo se enfrenta a cada paso con símbolos antiguos y modernos que aluden a la existencia humana, la lucha, y con frecuencia, la insensibilidad humana hacia el mundo, donde Atrapados en el caos de la vida urbana, los valores tradicionales a veces son olvidados o perdidos. Pancorbo ha creado un estilo super realista de la pintura que es capaz de transformar el imaginario totalmente convincente en este mundo extraño y desconcertante. Si estas interesado en conocer con mas detalle la obra de este artista

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Emma Amalia Ekwall-Scheutz

2011-11-24T17:53:00.000+01:00

Emma Amalia Ekwall-Scheutz fue la primera mujer sueca - un pintor, recibió una medalla real. Después de graduarse de la academia de la pintura, vivió algún tiempo en Munich y Leipzig. Escribió sobre todo retratos de sus hijos, bodegones florales y escenas de género

Pero los niños que están representados en las pinturas - es a sus hijos ...

Emma Amalia Ekwall-Scheutz, nacido 18 de enero 1838 en el hombre de la frontera en la parroquia Säby municipio Tranås, murió en 1925 en Estocolmo, fue un artista sueco. Estudió en la Academia desde 1865 hasta 1870. 1871, fue la primera mujer en la Medalla Real. Después de graduarse, pasó algún tiempo en Munich y Leipzig. Ella pintó retratos, bodegones florales y pinturas de género de los niños. Más apreciados, que era para ella retratos de niños.

Su hermano fue el artista Knut Ekwall (1843-1912).

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Edward Robert Hughes

2011-11-16T22:23:00.001+01:00

El pintor Edward Robert Hughes (1851 - † 1914) fue sobrino de Arthur Hughes y ayudante en el estudio de William Holman Hunt, donde ayudó a éste en sus últimos trabajos, entre los que figuran la versión de la catedral de San Pablo de La luz del mundo.

Hughes comenzó su carrera entre los prerrafaelistas, y al igual que Edward Burne-Jones, con una clara inclinación hacia el simbolismo. La mayor parte del trabajo de Hughes, llevada a cabo principalmente en acuarelas, muestra la observación meticulosa de la naturaleza.

Estuvo comprometido con la hija de George MacDonald antes de morir.

Edward Robert Hughes, es un pintor muy conocido Inglés que trabajaba en un estilo influenciado por el prerrafaelismo y el esteticismo. Algunas de sus obras más conocidas son víspera de San Juan y la Noche con su séquito de estrellas. Hughes fue el sobrino de Arthur Hughes. A menudo se utiliza la acuarela / aguada. Fue elegido ARWS en 1891 y eligió como título de su obra para la elección de miembros de pleno derecho una pieza mística inspirada en un verso de "Amor Mundi" de Christina Rossetti. Técnicamente Hughes experimentó con técnicas de ambicioso. Era un perfeccionista que hizo numerosos estudios que, en su propio derecho resultó ser lo suficientemente bueno para su exposición.

También fue asistente de los ancianos William Holman Hunt. Ayudó a los cada vez más enfermos Hunt con la versión de La Luz del Mundo ahora en la catedral de St. Paul y con la Dama de Shalott. Murió el 23 de abril 1914 en su casa (n º 3 Romeland) en St. Albans, Hertfordshire.

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Franciszek Zmurko

2011-11-14T17:35:00.000+01:00

Franciszek Zmurko
1859 - 1910

Hijo de un matemático de Lvov, Zmurko se enseñaba dibujo en Lvov primero por el pintor Franciszek Tepa. Posteriormente continuó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Cracovia con Jan Matejko en 1876, y luego en 1877, en Viena. Allí estudió primero en la Academia de Bellas Artes y más tarde, desanimado por la rutina de los profesores set, siguió por su cuenta. A finales de 1877, se fue a Munich, donde estudió con Alexander Wagner durante seis meses. Luego regresó a Cracovia en 1880. Habiendo recibido una beca emperador Francisco José, Zmurko pasó varios meses en Roma. Vivir en principio Varsovia en 1882, viajó extensamente, en especial de San Petersburgo (1883-1884), París (1884-1885, 1889) y Milán (1894).

Zmurko pintadas monumentales composiciones históricas y bíblicas sobre la base de motivos: la antigua (la muerte de Mesalina), oriental (En Padishah Orden, hachís) y literarios (cortesana). Naturalista, pinturas perfectamente pulidas encantado tanto la crítica y el público, y su sensual, o incluso atmósfera erótica, a veces con un toque de perversidad creado una gran popularidad para las obras de Zmurko. Fue el autor de las famosas mujeres de las "cabezas", que se repitieron varias veces y se hizo inmensamente popular, probablemente porque todos compartimos una especie de semi-pasión, el sentimiento ingenuo. El alma está dormida, pensamientos no afectan a la mayoría de sus modelos, sin embargo, los sentidos parecen estar despertando inconscientemente en los órganos ricos. Esta sensualidad es particularmente visible en desnudos Zmurko, en la lánguida, agotada pose, que suele dar a sus mujeres (véase Zmurko 1899, p. 766). Según un crítico contemporáneo, desde hace muchos años todas las oficinas pertenecientes a un elegante hombre necesitaba uno de los estudios con estilo y buen gusto Zmurko.

Expuso sus obras en forma regular en la sala de exposiciones Aleksander Krywult en Varsovia (1881-1883), en la Sociedad Zacheta de Bellas Artes, en la Sociedad de Amigos de Bellas Artes de Cracovia (1880, 1888, 1894-1895, 1900, 1902), así como en numerosas exposiciones internacionales en París, Londres, Chicago y San Francisco. En 1911, una exposición póstuma de más de 150 obras del artista se celebró en la Zacheta.

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George Antoine Rochegrosse

2011-11-04T19:22:00.000+01:00

Georges-Antoine Rochegrosse (Versalles, 02 de agosto 1859 - Argelia, 1938) fue un pintor francés y el ilustrador.Estudió pintura y luego fue nell'Académie Dehodencq Alfred Julian, en el taller de Jules Joseph Lefebvre y Boulanger Gustave, finalmente, pasar la Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Participó, sin éxito, el Premio de Roma en 1880 y 1881, y el Salón de 1882, donde obtuvo. Al año siguiente obtuvo una beca para hacer un viaje de estudios.
También se describen las distintas ediciones de la literatura: la 'Odisea, el Satiricón, la "Orestiada de Esquilo, el hombre que ríe de Víctor Hugo y Los Miserables, el Villiers Akëdysseril de l'Isle-Adam), las princesas de Théophile Gautier, El Salambó y "Herodías de Gustave Flaubert y Charles Baudelaire y hasta Anatole France.
Argelia, descubierto en 1894 y se instaló definitivamente en El-Biar, cerca de Argel en 1900, con su esposa Marie Leblond, quien murió en 1920 de una enfermedad contraída en el hospital de Argel, donde trabajó como enfermera, pasó cada verano Rochegrosse París, porque era parte del banco de obras que se expondrán en el Salón. Fue admirado por Théodore de Banville - su padrastro, que se casó con su madre Marie-Elisabeth Bourotte, la viuda de Rochegrosse, 15 de febrero de 1875 - a quien le dedicó un poema de su colección Les Exiliados.Manifiesto Rochegrosse
Obtenido, incluso en Francia, varios sccessi, como la medalla de bronce en la Exposición Universal de 1889 y el oro en la exposición de 1899, y fue nombrado caballero en 1892 y luego, en 1910, un oficial de la Legión de Honor. Academia de Pintura fue profesor de Argel, donde enseñó a una generación de pintores orientalistas, como Pablo Nicolai, José Ortega y Marcelo Alexandre Rigotard Rousseay-Virlogeux.
Temprano en su carrera Rochegrosse era esencialmente un pintor de la historia, entonces, el descubrimiento de Argelia, un orientalista y, finalmente, después de la muerte de su esposa, la hija de Theodore de Banville, un pintor de temas religiosos. Él es uno de los últimos representantes de la pintura académica, con obras como Andrómaca, 1883, Museo de Bellas Artes de Rouen, la locura de Nabucodonosor, 1883, Musée des Beaux-Arts de Lille, El Caballero de las Flores (Musée d'Orsay) , titula el autor de lo simbólico predestinó, de la armadura de plata recubierto, va a la Idea, haciendo caso omiso de la advertencia de la Vida, en 1894, inspirado en el mito de Parsifal.
Vivió y trabajó en la casa llamada Chaptal de París, que fue sede de la Grand Guignol Teatro continuación. Toda la colección personal de él, que consta de 110 pinturas y 250 dibujos y acuarelas, fue vendido en una subasta fue 14 de junio 1993.

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Frank Morrison

2011-10-29T19:40:00.000+02:00

Nacido en Massachusetts, a continuación, llevado por su familia a vivir a Nueva Jersey a una edad temprana, Frank Morrison se crió y pasó sus años de formación allí, un joven afable, precoz y curioso. Entonces, como un enérgico pre-adolescente, que estaba interesado y entusiasmado con las modas juveniles, intereses y actividades que marcaron su mundo: el barrio de DJ's con sus seguidores y fans en las fiestas de barrio, el colorido "etiquetas" de los personajes locales que fueron salpicadas a través de vallas, parques y edificios, y la suelta con juntas en los niños "B" y bailarines de break-que animó las escenas de fin de semana del partido. En este escenario su mundo de repente lleno de posibilidades y se convenció de que él también podía hacer esto!

En ningún momento, investido de un flujo brillante de la creatividad, el ojo y la ejecución de colorido 'tags' y escenas de 'RIP' comenzó a llevarlo considerable "el reconocimiento de la calle" reconocimiento y locales. Pero lo que antes le gustaba más era su reputación de montaje como una "B" niño - break-dance, popping y locking con tanta habilidad y control que se convirtió en un habitual en el equipo de baile de la estrella de R & B Sibila. Después de un par de años que viajaban con ella, se unió a la tripulación de gira de The Sugar Hill Gang, apareció en "Show Time At The Apollo", realizado en el video "Rap Mania", y con la compañía de danza de la película, "Nueva Ciudad de Jack ".

De hecho, fue mientras baila y gira por la nación y el continente europeo que tuvo ocasión de visitar el Museo del Louvre en París que "conoció a su musa". Mientras caminaba por los pasillos allí, fue consumido por lo que vio. En cuanto a la labor de los Maestros en el Louvre, se acordó de lo que había llegado inconsciente en sus obras de graffiti en expansión; reconoció reinos de color, estilo, expresión apasionada y posibilidades que nunca había imaginado antes.

Al regresar a Nueva York, Morrison se convirtió en un "regular" en museos y galerías - a sabiendas de que tenía que regresar a su arte. Con una visión renovada y un ojo informó, el todavía adolescente de Morrison siguió a su corazón, comenzó el desarrollo de un estilo expresivo propio, hecho a mano su primera cartera, y se dedicó a comercializar sus pinturas.

Una necesidad de tener sólo una visión superficial / examen de su cartera o su trabajo 'en la galería' para encontrar que su poder e inspiración son productos de su tierra profundamente religiosa y su compromiso de amor a su familia. Su musicalidad innata, se inclinó rítmicos naturales y la comprensión intrínseca de física / espiritual / expresión emocional tanto invadir y explotar a sus pinturas.

Notables colecciones de arte de Morrison son propiedad del ex Ciudad de Nueva York Escuela canciller Rudy Crew, New Orleans Senador Gregory Tarver, el actor reconocido y filántropo Bill Cosby, que se precia de cultivar el talento de los nuevos artistas afroamericanos, y la Dra. Lorena Hale, entre otros. Su trabajo ha mejorado la configuración de los televisores muestra "Malcolm y Eddie", "Nueva York", "Cosby" y ha sido artista invitado en el Home Shopping Network.

Morrison ha recibido comisiones de la radio incontenible / comentarista de televisión Tom Joyner, el Essence Music Festival en Nueva Orleans, y se ejecuta montado en serie escenas musicales de los discos compactos "Impulsivamente Ellington:. Homenaje a Duke Ellington y Down-to-the-hueso-es "Crazy Vibes y las cosas". Su obra se ha exhibido en lugares prestigiosos programas como "El Negro Nacional de Bellas Artes Show", producido por Jocelyn Wainwright, en la Galería Savacou en Manhattan, y fue un honor y dado un espectáculo unipersonal en el Centro Schomburg para la Investigación de Negro Cultura patrocinado por ESENCIA DE ARTE y Toyota.

Él sinceramente declara que está sin habla con orgullo cuando se encuentra con su obra que aparecen al lado y en relación con los originales Romare Bearden.

Sus iniciativas incluyen la publicación de dos libros ilustrados para niños "zazzy Mozetta señora" y "Morning Harlem". Que se preparó para su publicación en el otoño de 2004.

El trabajo de Morrison se inspira, no sólo por sus experiencias de vida rica y variada, pero, por su amor y gratitud por su familia - su esposa Connie, tres hijos y una hija y la Mano de Dios omnipresente. Cada uno de sus cuadros lleva su firma, por supuesto, acompañado de la indicación "TTG" que representa y recuerda a todas las de su "Gracias a Dios" por las bendiciones de sus dones - su familia y su talento.

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David Michael Stoupakis

2011-10-04T18:16:00.000+02:00

Nacio David Michael Stoupakis el 26 de julio de 1974, en Brighton, Massachusetts, su padre griego-italiano-estadounidense de primera generación. Trabajaba en la construcción como capataz Stoupakis George y su esposa británica de la isla de Nueva Escocia Anne, una mujer trabajadora por decir lo menos en todo lo lo que hace. Ambos artistas ser ellos mismos se iban a empujar y animar a David para convertirse en un artista.

David nació prematuro con numerosas complicaciones en el nacimiento y muchos pensaron que no llegaría a casa del hospital. La madre de Ana sabía que tenía que establecer la fuerza de su pequeño y nuevo por lo que le dio el nombre de David y se cree con ese nombre el pequeño David sería capaz de derrotar a las complicaciones gigante. Apenas un mes más tarde, David dejó el hospital para ver a su nuevo hogar y dos hermanos mayores, el hermano de Alex y su hermana Laura.

En el primer grado de la escuela David se encontró que tenía una discapacidad severa de aprendizaje y sus médicos informaron de que David se desarrollaría más en el aspecto artístico y que puede tener la capacidad para convertirse en un gran artista. Así que cuando el talento de David verdaderamente comenzó a brillar. Sus padres estaban orgullosos y de apoyo a su nueva habilidad artística en cuestión sus maestros. En varias ocasiones David "sombrío" dibujos fueron el tema en las reuniones de padres y maestros. Unos años más tarde, un profesor de arte salvaje entró en la vida de David y le animó, abrió su mente y lo llevó a experimentar. Dentro de ese mismo año David tomó la decisión de dedicarse a su obra de arte.

En 1992 David dio el Instituto de Arte de Boston un año de pruebas y rápidamente encontró que el ser educado no era para él. En 1993 comenzó su camino hacia el propio desarrollo y se convirtió en un artista autodidacta. Fue alrededor de 1995, cuando vendió por primera vez la pintura y en 1996 David estaba trabajando como un contrato de 2 D Artista / animador 3D para una empresa de juego. Luego, en 1999, David dejó la industria del juego y reorientado su talento a la pintura a tiempo completo. Además, ese mismo año conoció a su compañero Aprella, y los dos se convirtieron musas uno para el otro.

David vive y trabaja en Nueva York con Aprella y su adorable gato rescatado. Él continúa su dedicación a la pintura y sus obras notables seguir creciendo.

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WEB David Michael Stoupakis

Francine Van Hove

2011-09-28T08:46:00.001+02:00

El mundo retratado por Van Hove a distancia está poblado por mujeres jóvenes desnudas. La iluminación expuesta en que es una cualidad específica de la realidad que hace que su virar ligeramente, casi imperceptible, lejos de la realidad cotidiana.

Sus figuras entablar muy natural plantea que nos hacen sentir la existencia precaria de una exquisita línea de demarcación entre lo ordinario y lo extraordinario.

Sus figuras (pinta de modelos en vivo) definir ciertos cánones de belleza. Esta capacidad es caracteristique de un sentido innato de la estilizada que siempre ha hecho sentir como necesaria por los pintores que tiende a pintar temas intemporales.

posesivo Van Hove arte de la cualidad esencial Sugerir Sin proselitismo. Es la abolición de la distancia entre las emociones y su percepción. El más sutil de los sentimientos, el MOST alusiones tenue Ella establece encontrarse con nosotros en una forma sorprendentemente precisa. Y la vibración soy su transmisión es un placer.

A. Blondel

(Extracto del prólogo a un catálogo en enero de 1984)

Nacido en París en 1942, Francine Van Hove ha completado sus estudios en el Lycée Claude Bernard en 1963. Sus óleos, pintados con gran detalle y esmaltes, han sido siempre apreciados por los coleccionistas, tanto en Europa, América y Japón, y ha sido desde el primer artista en 1971. Conocida por los pequeños detalles y la precisión de su trabajo, Francine Van Hove destaca especialmente por los tonos de piel transparente, de sus desnudos, que siempre trabaja de la vida. La expresión de la belleza, la sensualidad, la meditación y la libertad es la filosofía esta detrás del trabajo de este artista.

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Kim Jacobs

2011-09-27T06:25:00.000+02:00

comenzó su viaje en la ilustración fascinada a principios de libros infantiles y de hadas cuentos de ilustradores como Edmund Dulac, Arthur Rackham, y Pyle Howard, y las acuarelas del artista sueco Carl Larsson. Se hizo a sí misma como un pintora, Kim gano la penetración en color y la composición de los maestros holandeses de su hogar ancestral, y practicada por el dibujo de figuras de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.

Aunque todavía en la universidad, Kim comenzó su carrera profesional con su ilustración de numerosas historias de la educación infantil. Inicialmente trabajando para cumplir un sueño de infancia de ilustradora de hadas y cuentos populares, surgió la oportunidad de comenzar a ilustrar para tarjetas de felicitación en 1982 y después de un gran éxito y la expansión en una amplia gama de otros productos, comenzó las obras de su primer calendario camino de adoquines de el año 1990. Una tradición que nació ha consumido la mayor parte de las energías de su ilustración desde entonces. El calendario, que ahora se llama "Los gatos Cottage" está disponible a través de publicaciones de la editorial del vendedor nuevo en cuatro formatos y celebra este año su 21!

Desde el principio, la pintura de cada mes, así como todas las ilustraciones de Kim, fueron fundadas en el amor de Kim de la creación y su fascinación por el mundo en transformación de suelo para jardín infantil hasta el adulto, el papel en blanco a la composición de colores. Ella se ha inspirado en muchas fuentes diversas como el arte, la literatura, los sueños, las fantasías y de sus extensos viajes propia, mezclando todos juntos para retratar lugares únicos que existen en ninguna parte y en cualquier lugar.

Kim creció en el maravilloso mundo de la costa de California, y allí conoció a su alma gemela Bob. Juntos comenzaron un viaje en busca de su sueño común de una granja. Pero no importa donde Kim se encontró de la bella mitad de la costa de California, a una salvaje valle del río de Oregon y, finalmente, a la lejana costa de Maine, donde se han asentado en 131 hectáreas de campos y bosques, en una casa alimentada por el sol, sus pinturas se han mantenido fiel a su entorno, así como los mundos detallados de su imaginación.

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WEB Kim Jacobs

Mel Odom

2011-09-20T12:12:00.000+02:00

Mel Odom nació en 1950, convirtiéndose en el más joven de los ilustradores que he perfilado hasta ahora (y sólo el segundo que es más joven que yo). Señaló pronto y bien y utilizó su arte para sostenerse en la escuela.

Se especializó en Ilustración de Moda en la Universidad Virginia Commonwealth University y realizó trabajos de postgrado en Inglaterra. Pasó nueve meses del parto de una cartera en 1974 y se mudó a Nueva York en 1975 para entrar en el mercado del arte.

Su trabajo encontró una casa temprano en la revista gay, Blueboy, y poco después en Playboy . El franco, la sexualidad sin trabas de su arte tiene un poderoso atractivo, si se trataba de una pieza de moda 1977 como el "Rayo Dorado" a la derecha o la confrontación casi "el acuerdo" de un Blueboy 1979 a continuación.

Tareas fuera del campo erótico eran tan numerosos. Su trabajo tiene una fantasía inherente sienten a la misma y directores de arte en el campo se apresuraron a colocar sus portadas en sus libros. El sf revista Omni también era cliente. Lo hizo mangas para los registros de la cadena CBS. Playboy nombró Ilustrador del Año en 1980 y ganó la Medalla de Oro de la Sociedad de Ilustradores en la clase de redacción en 1982, y la Medalla de Plata en el cl Libro

Y en su mayoría estas comisiones fueron parte de una serie. Hay por lo menos cuatro portadas de la serie de Kay, las tres de la Avellana, dos de los libros de Nancy Collins, una media docena al menos de Ruth Rendell títulos (aunque sobrecubiertas principalmente de tapa dura) y dos en lo que va de las Hermanas de la serie Fantasy. También en tapa dura, que hizo un par de Anne Rice, djs de dos de sus "Anne Rampling" novelas.

Lo más importante para mí personalmente es su cubierta para dormir Jonathan Carroll en llamas. Esta es la portada que me presentó a Carroll. Lo compré para el dj y Odom fue lo suficientemente intrigado por la imagen para empezar a leer la historia. Carroll es uno de mis autores favoritos de la mayoría (sí, yo también había leído!).

Lo que me parece el aspecto más sorprendente de estas cubiertas es el enfoque en las caras. Mel está tan seguro de sí mismo y tan talentoso que en muchos casos, todo el diseño es un rostro. Incluso en las imágenes con más de la figura representada, sigue siendo la cara, sobre todo los ojos, esta orden de atención. Mira el libro de Nancy Collins arriba. No recortar el título de. Esa es la portada del libro, publicado! Ellos confiaron en la imagen para comunicar a su público objetivo. Esa es una postura muy valiente para un director de arte de tomar y un elogio grandísimo talento de Mel Odom.

Con su encanto obvio con rostros exóticos y eróticos, que vendrá como una sorpresa para usted que es también un fabricante de máscaras. En la tradición de WT Benda (1873-1948), otro ilustrador cuya pasión era máscaras y autor del libro seminal, máscaras, Odom está fascinado con el poder y las cualidades de la liberación de la máscara.

Ambos Ojos primer @ Dreamer, los dos libros (hasta ahora) en Odom tienen secciones en las máscaras. Es revelador que suficiente, a pesar de muchas fotografías de Mel en los ojos. En primer lugar, no hay ninguno de él con un erotismo sobrealimentado de su trabajo no es algo que se esconde. Es la belleza que importa. Al igual que la siguiente ilustración para un artículo sobre la homosexualidad en Japón, es la emoción verdadera y sincera de las caras que cuenta.

Y justo cuando la mayoría de los ilustradores se contentan con una carrera complaciente, Odom tomó su amor por las máscaras y encontrar una salida comercial que le permitía atender al amor de la fantasía de todos nosotros. Él creó una muñeca. No cualquier muñeca, pero la muñeca Barbie primer desafío en un segmento del mercado. Es la Gene Marshall muñeca (sobre la base de la vida real estrella de Gene Tierney) - en la lona a la izquierda y en la vida real a la derecha.

La foto de la derecha es de la reciente libro, Gene Marshall Star Girl, que sigue su carrera como estrella de una década de 1940. Es comedia de fantasía en su mejor momento y el vestuario dressup son mucho más exótico que Barbie nunca podría salirse con la suya.

El retrato de la izquierda es de Ilustración Editorial - Paso a paso las técnicas de Bossert Jill. Que tiene una foto maravillosa de Mel y un fascinante 23 pasos ensayo fotográfico de la forma en que crea una ilustración. Después de la demostración es una cartera de ocho páginas de su obra. Este parece ser el más cercano que vamos a llegar a un nuevo libro largamente esperada sobre él.

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WEB Mel Odom

Denis Nuñez

2011-08-19T16:19:00.001+02:00

Acercarnos a la obra del Pintor Denis Nuñez constituye de inicio un juego de efectos , la misma sensación que nos atrapa al abrir de golpe la única ventana de una somnolienta habitación hacia la claridad del día; una figuración realista que atrapa al espectador, virtuosismo técnico y una esmerada factura son las primeras luces que cuestionan la ingenuidad del espectador, pero cuidado, al acomodarse nuestras pupilas estaremos en condiciones de ver en profundidad el valor sicológico de un lenguaje donde poco o nada es gratuito.

Quienes han tenido la oportunidad de seguir el discurrir de su obra desde los años noventa del pasado siglo, podrán constatar un leiv motiv casi absoluto, la presencia de la figura humana y especialmente el desnudo femenino. Esto lógicamente le ha permitido usar lo erótico como un recurso justificativo para lograr acercarnos a la verdadera desnudez del ser humano, esa que obviamente no esta a flor de piel, la constante soledad de sus figuras aún cuando haya mas de una en la obra denotan un intimismo y un retraimiento notable lo que delata una velada resistencia ante el medio que lo rodea, en muchas piezas hay sutiles elementos de contacto que refuerzan la imagen de la isla sicológica en el concepto del artista, la presencia en muchas de ellas por ejemplo de un pedestal de piedra donde se jerarquizan las figuras o verdaderos claustros de martirio donde seres desnudos resisten y de hecho existen, convierten el erotismo extrínseco en el mero hilo de Ariadna que nos seduce a la entrada del laberinto. Obras emblemáticas siempre las hay, claro, no siempre coinciden autor, publico y especialistas, aunque ser el caso de “ Remedio para soñar con huevos “,premiada del artista donde queda al desnudo, precisamente a partir de un desnudo, valga la redundancia, la precariedad del equilibrio de nuestros sueños. Equilibrio cuya fragilidad evidencia su necesidad de la luz y la sombra para existir.Desde el punto de vista formal hay determinadas búsquedas traducidas en el color y la textura que muchas veces intentan complementar el concepto esgrimido, en algunas ocasiones mas felices, en otras menos, pero siempre con la velada intención de decirnos algo desde lo mas absoluto.

El uso de los colores complementarios vibrando agresivamente en determinadas obras logran sugestionar al espectador de forma tal que no pueda obviar a pesar de la belleza y perfección de la imagen que contempla la crudeza de su drama interno. Otro elemento llamativo en sus ultimas obras es esa especie de rayado en la piel de sus personajes que mas que un simple ejercicio de texturas es una invocación formal a penetrar mas allá de la piel de sus figuras e intentar comprender el universo de frustraciones que las mueve.

Pocas veces logra un autor no importa la manifestación del arte en que se exprese ser impersonal y poner distancia entre el y la obra que crea, y Denis no es el caso, cada pincelada, cada figura, en fin cada obra guarda una estrecha comunión con su autor, sus sentimientos, sus deseos, carencias y gusto están impresos en la piel de cada mujer, en los sueños surrealistas de los niños y en las heridas de esos seres encerrados y atormentados reflejos también, porque no, de sus propios temores.

Estamos sin dudas ante una propuesta artística donde el artista asume a conciencia el riesgo de ser honesto.

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WEB Denis Nuñez

Linda Tso

2011-08-16T04:31:00.000+02:00

Aparte de la clase de dibujo extraño cuando era más joven, Linda Tso totalmente autodidacta. Como un niño que recuerda ir a la caligrafía, el piano y la danza lecciones de arte, la mayoría de ellos eran como ella dice, "sólo por diversión". Sus experiencias más jóvenes también la llevó a la exposición de arte extraño. "Recuerdo que de pie delante de Ingres" Unidos Angélica Roger "y estaba tan asombrado por la forma perfecta, y enorme, la pintura fue. Mis padres no me influyen mucho en términos de arte, aunque me dio un redondeadas culturales con la educación y, por así decirlo. "Ella se trasladó desde Taiwán a Nueva Zelanda en sus primeros años.

La próxima vez que Linda Tso habia sentido ese mismo sentimiento de asombro fue cuando descubrió las pinturas digitales hermosa en una galería de arte en línea en 2003. "Yo quería ser capaz de crear ese tipo de imágenes, así," dice ella. "Yo todavía me considero en las primeras etapas de mi carrera artística, si se pudiera llamar así. He hecho algunas portadas de libros, ilustraciones para las tarjetas, las comisiones privadas y algunos tutoriales. "

Linda empezó a publicar su trabajo en línea y ganó su puesto de trabajo freelance primero poco después, de un clientes taiwaneses que quieren algunas portadas de libros producidos. Eso fue hace tres años ahora, y desde allí ha sido un poco justo de los viajes en su vida últimamente, Linda no tiene ningún 'estudio' para hablar de. "En la actualidad, es sólo una mesa, una silla, y mi equipo", explica. "Yo solía tener fotos y pinturas sobre la pared en busca de inspiración, y también mantuvo una selección de libros de arte, revistas, libros de referencia, etc cercana;. La mayoría de ellos están todavía en cajas en algún momento"

Linda Tso quiere un trabajo de comercial sin problemas. Donde puede tomar un breve y hacer su trabajo suave estilo realista para el cliente. Ella admira mucho a los artistas que puede, "el trabajo de forma más estilizada - por ejemplo las líneas de células y sombreado en los comics, ilustradores maestro como Rackham y Mucha. Esto es definitivamente algo que aspiramos. Algunos de los trabajos más duros y difíciles que resultan ser aquellos en los que he aprendido mucho, porque tenía que aventurarse a salir de mi zona de confort y un desafío a mí mismo. "

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WEB Linda Tso

Sir John Everett Millais

2011-08-13T02:03:00.000+02:00

Sir John Everett Millais (Southampton, (Reino Unido), 8 de junio de 1829 – Londres, 13 de agosto de 1896), fue un pintor e ilustrador británico, uno de los miembros fundadores de la Hermandad Prerrafaelita.

Millais nació en Southampton, en el seno de una eminente familia originaria de la Isla de Jersey. Fue un niño prodigio que pintaba desde los cuatro años y se le consideraba poseedor de un talento poco común. Por esta razón, cuando tenía siete años su familia se trasladó a Londres para poder ofrecer una buena educación artística a su hijo. Su prodigioso talento para el arte le valió una plaza en las escuelas de la Royal Academy con sólo once años (1840). Durante su permanencia en esta institución, conoció a William Holman Hunt y Dante Gabriel Rossetti, con quienes fundó la Hermandad Prerrafaelita en 1848.

El cuadro de Millais Cristo en casa de sus padres (1850) fue objeto de controversia a causa del retrato realista de una Sagrada Familia de clase obrera trabajando en un desordenado taller de carpintería. Otras obras posteriores de Millais fueron también polémicas, aunque no tanto. Consiguió el éxito con Un hugonote (1852), que representa a una joven pareja a punto de separarse a causa de sus diferencias de religión. El artista repetiría este mismo tema en obras posteriores.

Todas sus obras de este período están realizadas con gran atención por los detalles, destacando a menudo la belleza y complejidad del mundo natural. En pinturas como Ofelia (1852), Millais creó superficies pictóricas densamente elaboradas basándose en la integración de elementos de la naturaleza. Este procedimiento ha sido descrito como una especie de «ecosistema pictórico».
Dicho estilo fue promovido por el crítico John Ruskin, quien había defendido a los prerrafaelitas de sus críticos. A través de su amistad con Ruskin, Millais conoció a la esposa de éste, Effie Gray, quien poco después posó para el cuadro de Millais, The Order of Release. Millais y Effie terminaron enamorándose, y en 1856, tras conseguir ella la anulación de su matrimonio con Ruskin, contrajeron matrimonio.

Tras su matrimonio, Millais cambió su estilo de pintura, haciéndolo más comercial y asequible, lo que Ruskin calificó de «una catástrofe». Según algunos comentaristas, los motivos de este cambio se encuentran en la necesidad de Millais de aumentar sus ingresos para mantener a su creciente familia. Antiguos correligionarios de Millais, como William Morris, lo acusaron de venderse para conseguir dinero y popularidad. Sus admiradores, en cambio, vieron en el cambio de su pintura la influencia de Whistler y del impresionismo. Millais, por su parte, explicó su cambio de estilo como consecuencia de su evolución como artista, que le permitía intentar un estilo más audaz. En su artículo «Pensamientos sobre el arte de hoy» ("Thoughts on our art of Today") (1888) proponía a Velázquez y Rembrandt como sus principales modelos.
En cuadros como La víspera de Santa Agnes y La sonámbula se hace evidente la influencia de Whistler. Otras obras de los años 1860 pueden interpretarse como parte del Aesthetic Movement. En muchos de ellos despliega amplios bloques de color armoniosamente ordenados. Posteriormente, en los años 1870, pintó obras en las que queda patente la influencia de Rembrandt. Entre estas últimas destacan El paso del Noroeste (1874) y la Juventud de Raleigh (1871). En estos cuadros se observa el interés de Millais por temas tales como la expansión del Imperio Británico y la exploración del globo. Su último proyecto fue un cuadro que representaba a un explorador blanco yaciendo muerto en el veldt africano, contemplado con indiferencia por dos africanos. También es destacable en esta época su interés por la pintura de paisajes, para la que prefería lugares desolados e inhóspitos. El primero de estos cuadros paisajísticos, Chill October (1870) fue realizado en Perth, cerca de la casa natal de su esposa. En Pertshire pintó otros muchos cuadros cerca de Dunkeld, adonde Millais iba cada otoño para cazar y pescar. Tuvieron también gran popularidad sus cuadros protagonizados por niños, como Bubbles (1886) famoso (quizá por desgracia), por haber sido utilizado en los anuncios de la sopa Pears y Cherry Ripe.

Millais alcanzó un éxito notable como ilustrador de libros, sobre todo de las obras de Anthony Trollope y los poemas de Alfred Tennyson. Sus ilustraciones de las parábolas evangélicas se publicaron en 1864. Su suegro encargó la realización de unas vidrieras basadas en las mismas para una iglesia de Perth.

Millais fue elegido miembro asociado de la Royal Academy of Arts en 1853, y poco después fue admitido como miembro de pleno derecho. En la Academia tuvo una muy activa participación. En 1885 se le otorgó el título de baronet, siendo el primer artista en obtener un título hereditario. Tras la muerte de Frederic Leighton en 1896, Millais fue elegido presidente de la Academia, pero falleció ese mismo año de cáncer de garganta.

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WEB Sir John Everett Millais

John White Alexander

2011-08-11T04:45:00.000+02:00

John Chite Alexander ( 7 Octubre, 1856 - Mayo 31, 1915) fue un retrato de América, la figura, y el pintor decorativo e ilustrador.

Alexander nació en Allegheny, Pennsylvania , ahora una parte de Pittsburgh, Pennsylvania . Huérfana en su infancia, fue criado por sus abuelos y en a la edad de 12 años se convirtió en un niño de telégrafo en Pittsburgh. Su talento para el dibujo llamó la atención de uno de sus jefes, quien le ayudo a desarrollarse. Se trasladó a Nueva York a la edad de dieciocho años y trabajaba en una oficina de Harper semanal , donde se desempeñó como ilustrador y caricaturista político, al mismo tiempo que Abbey , Pennell , Pyle y otros ilustradores celebra trabajaron allí. Después de un aprendizaje de tres años, viajó a Munich para su entrenamiento formal en primer lugar. Debido a la falta de fondos, se trasladó a una aldea de Baviera, y ha trabajado con Frank Duveneck . Ellos viajaron a Venecia, donde se benefició por el consejo de Whistler , y luego continuó sus estudios en Florencia , los Países Bajos y París .
En 1881 regresó a Nueva York y rápidamente alcanzó un gran éxito en el retrato, que suman entre sus modelos Oliver Wendell Holmes , John Burroughs , Henry G. Marquand , Stevenson RAL , y el presidente McCosh de la Universidad de Princeton. Su primera exposición en el Salón de París de 1893 fue un éxito brillante y fue seguido por su elección inmediata a la Société Nationale des Beaux Arts . Muchos honores adicionales se le otorgó. En 1889 pintó para la señora Jeremías Milbank un retrato muy bien recibido de Walt Whitman y uno de su marido, Jeremías Milbank . En 1901 fue nombrado Caballero de la Legión de Honor , y en 1902 se convirtió en miembro de la Academia Nacional de Diseño . Él era un miembro de la Academia Americana de Artes y Letras , y el presidente de la Sociedad Nacional de Pintores Murales . Entre las medallas de oro recibidas por él fueron los de la Exposición Universal de París (1900) y la Feria Mundial de San Louis (1904).

Alexander se casó con Elizabeth Alexander Alexander, a quien se introdujo en parte debido a su apellido común. Isabel era la hija de James Waddell Alexander, Presidente de la Equitable Life Assurance Society a la hora de la bola de Hyde escándalo. Los Alexander tuvieron un hijo, el matemático James Waddell Alejandro II .
John White Alexander murió en Nueva York el 31 de mayo de 1915.

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WEB John White Alexander

Rosalba Carriera

2011-08-06T14:41:00.000+02:00

Rosalba Carriera (Venecia; 7 de octubre de 1675 — 15 de abril de 1757); pintora italiana, perteneciente al estilo rococó. En su juventud se especializó en retratos miniatura. Después será conocida por su trabajo en pasteles, un medio muy apreciado en el ambiente rococó por sus suaves perfiles y floridos toques. Lanzó la moda de la pintura al pastel durante su estancia en París en 1720.

Nacida en Venecia, Carriera fue una prominente y muy admirada artista del rococó italiano. Su familia provenía de la baja clase media veneciana y de niña comenzó su carrera artística realizando patrones de encaje para su madre, que se dedicaba a este comercio.
Con la popularidad del tabaco en polvo o rapé, comenzó a pintar miniaturas para las tapas de las cajitas de rapé, y fue la primera pintora que usó marfil con este propósito. Comenzó, pues, su carrera artística pintando estas cajitas con graciosas figuras femeninas que más tarde hicieron su fortuna traspuestas a la miniatura sobre marfil. Fue la primera que utilizó el marfil en las miniaturas, lo que le dio esa luminosidad característica de sus obras, e igualmente fue la primera en no seguir las reglas académicas según las cuales una miniatura debía realizarse con trazos y puntos breves y bien amalgamados; en lugar de ello, Carriera utilizó el trazo veloz característico de la pintura veneciana.
Gradualmente esto le llevó a pintar retratos, de lo que fue pionera en el uso exclusivo del pastel. Los visitantes extranjeros destacados que acudían a Venecia, jóvenes hijos de la nobleza en su "gran viaje" y diplomáticos, por ejemplo, rivalizaban en ser pintados por ella.1 Entre los retratos de este primer periodo, se encuentran los de Maximiliano II de Baviera, Federico IV de Dinamarca, las 12 damas más hermosas de la corte veneciana, la "Artista y su hermana Naneta" (Uffizi), y Augusto el Fuerte de Sajonia quien adquirió una amplia colección de sus pasteles.[1]
En 1705, fue aceptada como accademico di merito por la Academia de San Lucas romana, un título reservado a los pintores no romanos, con la miniatura sobre marfil Fanciulla con colomba, gracias también a un intermediario, su amigo Cristiano Cole.
En 1720 es admitida en la Academia de Bolonia. En 1721, durante su primer viaje al extranjero a París, sus retratos tuvieron gran demanda. Mientras estaba en París, como invitada del gran aficionado y coleccionista de arte, Pierre Crozat, pintó a Watteau, toda la nobleza y la realeza, desde el rey y el regente hacia abajo, y fue elegida miembro de la Academia Francesa por aclamación. [2] También conoció a Jean-Étienne Liotard y Maurice Quentin de La Tour. Su cuñado, el estimado pintor Antonio Pellegrini, se casó con su hermana Angela, que también estaba en París ese años. Pellegrini fue contratado por John Law, un financiero y aventurero británico, para pintar el techo de la Grand Salle en el edificio del nuevo banco de Law. Su otra hermana, Giovanna, y su madre, formaban parte del grupo. Ambas hermanas, aunque particularmente Giovanna, la ayudaron en la pintura de los cientos de retratos que la pedían. El diario de Rosalba sobre esos 18 meses en París fue más tarde publicado por su devoto admirador, Antonio Zanetti, en 1793. También se publicó su amplia correspondencia2 Regresó a Venecia en 1721, visitó Módena, estando documentada su presencia allí en 1723 para retratar a la familia de Este. También estuvo en Parma, fue huésped de los condes Lantieri de Goritzia y, en 1730, está en la Corte de Viena donde retrata a varios miembros de la familia real. Fue recibida con mucho entusiasmo por gobernantes y cortesanos.
En su vida posterior, hizo un largo viaja a la corte del rey de Polonia, donde tuvo como alumna a la Reina. El rey reunió una amplia colección de sus obras que más tarde formaron la base de la gran colección en la galería Altemeister de Dresde.
Marchó entonces a Venecia, aún ampliamente popular y con muchos encargos, y de hecho, la persona que obtenía ingresos de la familia.
En persona, no era una mujer hermosa, sus autorretratos muestran un rostro hogareño con una nariz larga y desproporcionada. Era conocida por la dulzura de su disposición y la limpieza y propiedad de su ropa, pero también tendía a la tristeza y la depresión, que se ha atribuido al hecho de que nunca se casó. En Prideaux Place, Padstow, Cornualles, hay un encantador retrato de esta artista de Humphrey Prideaux, el arquetípico hijo de la gentry inglesa pintado durante su "Grand Tour" en el que existe la leyenda de que escondió una carta de amor. Tuvo muchos amigos masculinos, pero no llegó a casarse.
Sus últimos años fueron trágicos, pues enfermó de la vista, probablemente dañada por su pintura en miniatura de juventud, hasta el punto de quedarse completamente ciega. Sufrió dos operaciones de cataratas pero no sirvieron de nada. Sobrevivió a toda su familia, pasando sus últimos años en la pequeña casa en el área de Dorso-Duro de Venecia donde había pasado toda su vida.

Carriera popularizó el uso de pintura al pastel. Con esa técnica retrató a un sinnúmero de clientes acaudalados. Sus obras presentan una caracterización que realza a los personajes y al mismo tiempo exhibe suavidad debido a la gran sutileza con que reproduce los detalles. La pintura al pastel se ejecuta con tizas de consistencia pastosa caracterizadas por la palidez de su coloración.
Sus retratos eran inmensamente competentes, casi siempre conteniendo una pose de busto con el cuerpo ligeramente vuelto y la cabeza girada para dirigirse al espectador. Tenía una maravillosa habilidad para representar texturas y diseños, recreando fielmente telas, galones de oro, encaje, pieles, joyas, el pelo y la piel, y haciendo resaltar el suntuoso estilo de vida de sus ricos e influyentes patronos.
Su técnica consistía en pintar directamente con el pastel, sin un diseño previo. Ella desarrolló también una técnica de pintura sobre marfil que tuvo igualmente gran éxito en Venecia entre los turistas británicos.
Destaca sobre todo en retratos femeninos, y es considerada una de las primeras miniaturistas europeas.
Las obras que más han despertado la curiosidad del público son la serie de autorretratos que Rosalba se hizo, algunos de los cuales se conservan en Venecia, en el museo del siglo XVIII en Ca' Rezzonico, otros de los cuales como el autorretrato del año 1740 forman parte de las colecciones reales de Windsor. Estos autorretratos revelan un desarrollo psicológico y moral de la persona, desde la juventud y alegría del primer autorretrato de 1709 conservado en los Uffizi en el que se representa a si misma mientras pinta a su hermana hasta alcanzar el último, de 1746, el de la "tragedia", donde se representa con un rostro muy envejecido e impasible, triste y duro indicando el estado de ánimo del artista que se retrata poco antes de la operación que se hizo en la córnea, una operación sin éxito, puesto que su ceguera se complicó hasta hacerse total. Uno de estos autorretratos se conserva en Florencia, en el Pasillo de Vasari que une el Palazzo Vecchio con el palacio Pitti, donde está incluido en una colección de autorretratos.

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WEB Rosalba Carriera

John Errol de Lano

2011-08-05T19:35:00.000+02:00

Sobre sus foto-manipulaciones, el propio John de Lano afirma en su web: "Pueden llamarlos gráficos, yo prefiero llamarlos mis espejos"

Nombre: John Errol
Fecha de nacimiento: el 15 de Octubre
País: Países Bajos

Nací en un hermoso lugar cerca de la costa. El nombre no es importante, sólo los recuerdos de los años ... A la edad de un año y medio de edad se trasladó a Rotterdam. Y dos meses antes de mi quinto cumpleaños nos trasladamos a un pueblo en el campo, donde todavía vivo.

Cuando salgo, o conducir en mi coche a través del área que puede ver y oler el cambio de las estaciones. Es algo que no se puede explicar en pocas palabras. Me siento bendecido por vivir aquí y disfrutar de ver las cosas comunes como las granjas, vacas, ovejas, caballos, etc

La madera no está muy lejos de mi casa. A tan sólo diez minutos en mi bicicleta y yo estoy allí. La madera tiene algo misterioso, sobre todo en otoño. Todos los diferentes tonos de marrón, rojo, naranja y amarillo son como una manta caliente.

Cuando era niño soñaba con ser pintor, ilustrador y escultor. O trabajar en un teatro algo ..... así, no importaba. Mientras que tenía algo que ver con eso. Cuando me hice mayor empecé a interesarme por los efectos especiales. No tanto por el lado artístico, pero más la parte tecnica (¿cómo funcionan las cosas debajo de todo).

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WEB John Errol de Lano

Joanna Chrobak

2011-08-04T21:38:00.006+02:00

De la vida de esta pintora poseemos escasos datos. Sabemos, por investigaciones previas que nació en Polonia en el año 1968 en el pueblo de Poznan, que estudió en la escuela de Bellas Artes, que para ellos son “Fine”, finas en su esencia, y que su tutor fue el profesor Juliusz Joniak.

De esta serie de nombres poco sonoros en nuestro entorno latino también conocemos que la joven ha expuesto en su Polonia natal, en Italia, que por su influencia renacentista debe volverla loca y en Estados Unidos, donde por algunos críticos ha sido considerada un vehículo ductor del nuevo prospecto “renacentista” en nuestra época.

La pintura de Joanna nos remite a naturalezas medievales, a inspiraciones barrocas que se arropan en grandes mantones y usa las varias historias contadas a planos por los maestros de la edad oscura europea.

Sus colores, así como sus personajes son envolventes, utópicos y sin embargo guardan un lirismo desquiciante que nos transporta por la inusitada violencia y el romanticismo de edades que se quedaron vagando en un limbo, solo pautado y pintado en grandes lienzos, en frescos de catedrales y palacios.

La pintora nos hace delirar por instantes y nos introduce en sus desquiciantes cuentos.

Veámosla y comencemos a conocerla.

Cualquier persona que se enfrenta a las pinturas por primera vez por Joanna Chrobak, se sorprende, ¿estás seguro, se dirigió a la galerías de arte contemporáneo, o más bien al museo de arte antiguo. Joanna Alguna vez has querido ser un conservador, y por qué lo miraba hacia el pasado. Los planes cambiaron, y optó por la pintura en la Academia, pero se mantuvo la fascinación con el arte de los viejos maestros. Él ama a los pintores del Renacimiento del Norte: Baldung Cranachów Griena y en ocasiones puede parecer al detalle en sus pinturas y descifrar los símbolos.

En sus pinturas juegan las escenas de los mitos y las historias bíblicas, y, a veces completamente compuesto por historias. Hay un montón de belleza semidesnuda, unicornios, pájaros exóticos y los peces, tentando la granada y las manzanas del Paraíso. Todo lo que recuerda la historia amenazante, porque la belleza y la fealdad se mezclan de una manera inquietante.

Como en los viejos maestros, las mujeres en las pinturas de Juana son delgados delgada, pero tienen el vientre redondeado. Desde el cuerpo de una serpiente crece, los otros turnos en un camaleón, otro es clavado en la cadera faisanes. Sus pinturas están llenas de objetos simbólicos y colores. Aquí, todo lo que quiere decir algo. - Estoy fascinado por los temas que przewijaly largo de los siglos, y la historia de la iconografía. Yo alcance de los textos antiguos, y los diccionarios de símbolos. Pero no me gusta explicar mis cuadros. Me gusta decir que cualquier persona que busca en la imagen, se crea de nuevo - explica Joan.

A los maestros del pintor renacentista podpatrujemy también los secretos del taller. - Cuando la pintura, los textiles y joyería de apelaciones para mí la atención a los detalles que aparecen en mis cuadros. A veces uso objetos, pero sobre todo una vista previa de imágenes y álbumes - de Cranach, por ejemplo, tomado redecillas para el cabello, porque por esto, por desgracia no tengo en casa - se ríe. Más de un collar de perlas o bordado vestido de terciopelo Juana pasa largas semanas. Pinceles son delgadas, con una precisión milimétrica da a cada destello de luz, cada hilo de oro individual. - Yo no uso las plantillas, no tengo maneras. Yo vengo de la mañana al estudio y sentarse a pintar. No se distraiga, no hagas el té, no coge el teléfono -, dice.

Al inventar la imagen, en el estudio hay un silencio perfecto. El artista no hace bocetos, sólo pone la historia, que se mueve en el lienzo. - Tengo que concentrarme mucho para luego poder cantar a continuación, la canción que oigo en mi cabeza -, añade.

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WEB Joanna Chrobak

Jake Baddeley

2011-07-30T19:06:00.003+02:00

Jake nació en Nottingham, Inglaterra, en 1964, y ha venido señalando desde su primera infancia. Después de terminar sus estudios como ilustrador en la Universidad de Londres en 1988, decide viajar por toda Europa, lo que le lleva a los Países Bajos, por primera vez. Durante estos viajes se encuentra con su esposa Vanessa y en 1990 decide vivir en La Haya y al trabajo como ilustrador. Inspirado por los Maestros holandeses comienza a trabajar con pintura al óleo en 1992.

En 1996 tiene su primera exposición individual. Este es exposiciónes, para su propia sorpresa, como un éxito que le ofrece la oportunidad de pintar sobre una base a tiempo completo. Desde que ha tenido éxito en solitario y colectivas tanto a nivel nacional e internacional y su obra ha encontrado su camino en muchas colecciones privadas y corporativas.

Jake saca su inspiración de muchas fuentes: los antiguos griegos, los maestros del Renacimiento italiano, los maestros holandeses, iconografía, mitología, la psicología y la filosofía. Pero sobre todo se basa en su propio subconsciente y la intuición que ha manytimes demostrado tener una lógica y curiosa independentista propia.

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WEB Jake Baddeley

Frank Howell

2011-07-22T15:27:00.000+02:00

Internacionalmente conocido maestro artista Frank Howell de Santa Fe, que murió en 1997, fue polifacético, que trabaja en una amplia variedad de medios de comunicación, incluidos los acrílicos, litografías, monotipos, acuarelas, óleos, dibujos, esculturas y grabados de edición limitada.

Nació en Sioux City, Iowa, recibió su licenciatura de la Universidad de Northern Iowa, hizo estudios de postgrado en esa universidad y la Universidad de Iowa, y estudió en el Instituto de Arte de Chicago. Su trabajo es ampliamente expuesto en museos y galerías de todo el mundo, y en numerosas colecciones privadas y corporativas.

Le gusta explorar y dominar el arte de los medios de comunicación variados al máximo, trabajando con la pluma, lápiz, óleos, acuarelas, acrílicos, esculturas, litografías, mono-tipos, Poster grabados y serigrafías. Como artista extraordinariamente cualificados, Frank Howell ampliamente exhibido en museos y galerías de todo Estados Unidos, así como México. el trabajo de Howell está incluido en numerosas colecciones privadas y corporativas en todo el mundo. Frank Howell también ha sido objeto de muchas revistas y artículos de prensa, los perfiles de televisión y documentales. El país afligido cuando este artista suroeste aprobó el 26 de noviembre de 1997. el arte de Frank, en todas sus formas, ahora es buscado por los coleccionistas y otros admiradores de sus expresiones cálidas, simbólico.

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WEB Frank Howell

Sir Thomas Lawrence

2011-07-07T19:55:00.000+02:00

Sir Thomas Lawrence (4 de mayo de 1769 - 7 de enero de 1830) es considerado como uno de los mejores retratistas ingleses de su generación. Nació en Bristol. Niño prodigio, fue casi por entero autodidacta, aunque pasó algún tiempo como alumno en la Royal Academy de Londres.

En 1789 Lawrence obtuvo un gran reconocimiento por su retrato de la actriz Miss Farren (1789, Museo Metropolitano de Arte). Comenzó a ser muy solicitado y en el año 1792 sucedió a sir Joshua Reynolds como el pintor principal de Jorge III, que le concedió el título de sir en el año 1815. Será nombrado miembro de la Royal Academy en 1794, y desde 1820 hasta 1830 será presidente de dicha institución.

Su obra en conjunto parte de Reynolds pero da un paso más hacia el romanticismo (debió soportar injustamente constantes críticas que comparaban su pintura con la de Reynols de manera despectiva, desigual). El caso de Lawrence es bastante contradictorio porque tuvo una carrera meteórica, muy brillante, pero constantemente obligado a dar la cara por su pintura. En su momento no fue entendido.

Artista de gran estilo y dominio técnico, se anticipó a la pintura romántica con la vitalidad, el rico colorido y las siluetas dramáticas de sus obras.

Alexander MacKenzie. de Thomas Lawrence (c.1800), en la National Gallery of Canada.

Aunque de calidad desigual, su obra artística, en su mejor momento, se caracterizó por un gusto y una elegancia que confirieron distinción a los retratos de sus modelos.

Entre sus cuadros destacan: Retrato de Jorge IV de Inglaterra (1816, Pinacoteca Vaticana), La señora Peel (1827, Colección Frick de Nueva York), El papa Pío VII y el archiduque Carlos de Austria (Cámara Waterloo, Castillo de Windsor, Royal Collection), John Fane, X conde de Westmoreland, Dama de la familia Storer y Miss Marthe Carr, los tres en el Museo del Prado, Madrid. Lawrence fue uno de los primeros pintores ingleses en alcanzar un renombrado éxito en Europa. Junto a Reynolds y Thomas Gainsborough, representa la cumbre de la pintura retratista inglesa.

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WEB Sir Thomas Lawrence

Sir Frank Dicksee

2011-07-04T12:03:00.000+02:00

Inglés pintor e ilustrador. Estudió en el taller de su padre, Thomas Francis Dicksee (1819 a 1895), donde pintó retratos y escenas de género histórico, luego entró en la Royal Academy Schools de Londres, donde se le concedió una beca en 1871. Ganó una medalla de plata para la elaboración de la Antigüedad en 1872 y una medalla de oro en 1875 por su obra frente a Elías a Acab y Jezabel en la viña de Nabot (sin marcar), con el que hizo su debut en la Royal Academy en 1876.

También comenzó a trabajar como ilustrador en la década de 1870, contribuyendo a la revista Cassell, la revista Cornhill, El Gráfico y otras publicaciones periódicas. Durante la década de 1880 fue comisionado por Cassell & Co. para ilustrar sus ediciones de Evangeline de Longfellow (1882), Otelo de Shakespeare (1890) y Romeo y Julieta (1884).

Las pinturas de Dicksee son ejecutadas con fluidez y textura rica en orquestación de color. Revelan una curiosa mezcla de influencias, en particular, el clasicismo de Frederic Leighton y el idealismo abstracto de GF Watts. Su predilección por los aspectos decorativos de la pintura surgió de sus estudios con Henry Holiday, un diseñador de vidrieras. Él defendió con pasión los ideales victorianos de High Art y condenó públicamente las tendencias artísticas que surgieron hacia el final de su vida.

Su trabajo abarca una amplia gama de objetos y géneros, incluyendo pinturas alegóricas y bíblicas, entre los que se derivan de fuentes literarias son Caballería (1885;. Priv col, vea la Real Academia Revisited, EXH gato por C. Forbes,... Nueva York, Met., 1975, p. 38). También pintó retratos de la sociedad y los dramas sociales.

Dicksee ARA fue elegido en 1881, RA en 1891 y ARP en 1924. Fue nombrado caballero en 1925 y se KCVO en 1927.

Su hermana Margarita Isabel (1858-1903) y su hermano Herbert Thomas (1862-1942) fueron también pintores, al igual que su tío John Robert Dicksee (1.817 a 1.905).

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WEB Sir Frank Dicksee

Louis Aston Knight

2011-06-30T07:47:00.000+02:00

Aston Louis Knight, fue el hijo del artista expatriado estadounidense, Daniel Ridgway Knight. Nacido en París en 1873, Louis, a diferencia de su padre, tuvo el privilegio de ser criado en un hogar donde estaba rodeado de arte y música. Criado y educado en Europa, asistió a la Escuela Luis Chigwell en Inglaterra para su educación en artes liberales y comenzó su formación artística, bajo la dirección de su padre. Más tarde estudió formalmente con el gran pintor romántico francés, Robert-Fleury y Jules Lefebvre.

En 1894, Aston Knight, debutó en el Salón de París, iniciando una carrera muy aclamado. Entre sus muchos premios, ganó una medalla de bronce en la Exposición Universal de París en 1900, una mención de honor en el Salón de París en 1901, una medalla de oro en Lyon en 1903, una medalla de oro en Ginebra y en Nantes en 1904 y las medallas de oro en el Salón de París, tanto en 1905 y 1906, ganándose el título de Hors concours como el primer estadounidense en ganar dos medallas de oro en el Salón en dos años consecutivos. Knight, también se hizo un Caballero de la Legión de Honor en 1924, convirtiéndose en un oficial en 1928 y, finalmente, un comandante en 1934.

Aston Louis Knight es el más famoso por sus paisajes franceses ejecutados en los alrededores de su casa de Beaumont-le-Roger. Aston miró a Claude Monet, y lo visitaba de vez en cuando en su casa de Giverny. Él estaba particularmente impresionado con los jardines de Monet, y se esforzó por cultivar un jardín tan hermoso como el del maestro. Knight también premiaba cada año a los campesinos vecinos que mantenian los mejores jardines. Esto le garantiza de buenos modelos para sus cuadros el paisaje rural.

Poco a poco Aston Knightllegó a ser bien conocido en la escena artística de Nueva York y viajó a los Estados Unidos muchas veces - escenas de la pintura en Nueva York, Florida y California. En 1911, Knoedler & Co. realizó una exposición de sus paisajes de los EE.UU. y Francia.

Su exposición en la Galería Levy de Nueva York, en 1931 llamó mucho la atención. De hecho, "Art News", criticó el programa (edición del 26 de diciembre) y se describe su fama y el enfoque de plein-air: Un grupo de nuevos paisajes por Aston Knight el pintor popular del paisaje fluvial Normandía, es la atracción de vacaciones en la Galería Levy. El Sr. Caballero palos de cerca a su fórmula bien establecida, sin duda debido a la gran fama adquirida en sus años anteriores, cuando Hopkinson Smith lo publicitado como el "pintor en las botas de goma de alta" para el señor Caballero no se contentó con el estudio de la acción de la Normandía corrientes de los bancos cómodo .... para poner en un par de botas de goma hasta la cintura-y la creación de su caballete en medio de la corriente, la pintura de las aguas susurrante de primera mano.

Aston Knight fue uno de los favoritos de los Presidentes de América en su día. En 1922, el presidente Harding comprar pintura Aston Caballero titulado La Afterglow, para colgar en la Casa Blanca. Caballero incluso celebró una exposición privada en la Casa Blanca para el presidente Coolidge durante su Presidencia.

Muchas de sus obras han tenido reconocimiento internacional y se encuentran en las colecciones de arte de todo el mundo, incluyendo: el Museo de Luxemburgo, Musée des Colonies, París, el Museo de Bellas Artes, Toledo, Ohio y el Museo Delgado, de Nueva Orleans.

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WEB Louis Aston Knight

Marci McDonald

2011-06-27T13:39:00.000+02:00

¿Y yo? Soy muy, muy, me gusta trabajar. "Adicta al trabajo" lo resume todo. No estoy orgullosa de ello, o que yo soy algo así como un reclusa, o que dejó por mi cuenta que no soy especialmente buena para divertirse, pero ahí está.

Soy una urbanita del Medio Oeste de nacimiento pero me movía mucho ... los mejores lugares han sido una casa de madera en Montana con los caballos justo afuera de mi ventana, y una granja a lo largo del sendero de los Apalaches en Pensilvania. De los trabajos del día que tuve antes de trabajar a tiempo completo como artista, el único que realmente me venía era un maravilloso verano trabajando en un vivero.

Lo que puedo decirle sobre ART y yo es que ha sido mi trabajo y jugar tanto tiempo como puedo recordar. Me encanta hacerlo, no me siento bien cuando no lo estoy haciendo, y tengo la suerte de tener más imágenes en mi cabeza de lo que jamás voy a poder terminar.

Pasé algún tiempo en la universidad como un arte mayor - un año en la Universidad de Nebraska en Omaha y dos años en la Universidad Estatal de Montana en Bozeman -, me describira a mí misma como autodidacta. Nunca estuve realmente allí en la escuela ... que no parecía lo suficientemente práctico para mí en ese momento (me iba a encontrar todo más interesante y ser un estudiante mucho mejor en este momento de mi vida!) y yo estaba ansiosa por convertirse en parte del mundo real.

Mi forma de aprender ha sido trabajar obsesivamente en un medio en un momento hasta que casi parece que se escape, y pasar a otro. No es la forma más inteligente de hacer las cosas cuando tuve la oportunidad de tomar el camino inmediatamente reconocido y respetado (que se ve mucho mejor en una hoja de vida!), Pero de nuevo, ahí está.

Hablar de mi trabajo no viene naturalmente, pero he hecho más que mejorar en eso. Hablar de mí misma es otra cosa. Me siento honrada de tener lo siguiente escrito de mí por alguien que hace poco encargó que hiciera una pintura, y posee muchas otras piezas de mi trabajo:

"Marci utiliza belleza tan espléndida que podría ser confundida con el componente exclusivo de su trabajo. Sus temas comienzan como real y convertirse en algo más real. Implican y el honor entre sí en muchos niveles. Sueñan juntos. Espectadores tienden a reaccionar a sus figuras íntima somáticamente más que intelectualmente, y soñar con ellos, vislumbrando la intención de Marci, su profundidad, y bañarse en sus propios momentos recordados y anhelos.

"Marci con su trabajo nunca ha vacilado, y su carrera es una exploración constante de los límites y ventajas especiales de sus medios elegidos. Cada diseño es una incorporación y expansión de las técnicas anteriores.

"Treinta años de sí misma en su profesión se han ganado un siguiente Marci nacional de coleccionistas dedicados. Hay una autenticidad a su trabajo que es a todas luces seductora, y admiradores se encuentran regresando una y otra vez, esperando cada nuevo diseño.

"Para el conocimiento, dominio técnico de Marci y materiales de calidad hablan por sí mismos. La sensibilidad, independientemente de su experiencia, simplemente detención mismos frente a su trabajo y sueño. Este agrada Marci, aunque su ambición es sólo para darse cuenta de sus visiones. Se limitó a crear, mirando hacia atrás y adelante entre el producto en sus manos y la imagen viva en su mente, preguntándose la cuestión en la que cada línea, cada color, se considera cada elemento de dignidad -

"Es hermoso? ¿Es lo suficientemente bonita? "

Thomas Wilde, amante del arte, amigo.
Después de años de hacer arte se muestra en todo el país maravilloso compañero Ben Sweeney, hemos trasladado nuestro estudio y talleres de Pensilvania a Florida, y han pasado nuestros primeros inviernos aquí siento muy satisfecha de no tener que raspar el parabrisas y la nieve. Echamos de menos a todas las grandes personas que nos conocimos haciendo la muestra, pero disfrutando mucho más tiempo en el estudio y menos en la carretera.

Mi objetivo es ser lo suficientemente creativa para que quieras volver aquí otra vez y otra vez ...

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WEB Marci McDonald

Remedios Varo Uranga

2011-06-20T05:51:00.000+02:00

Nacida el 16 de diciembre de 1908 en Anglès (Gerona), España. Mostró desde pequeña una natural inclinación e interés por la pintura. Alentada por su padre ingresó en 1924, a la edad de 15 años, a la Academia de San Fernando en Madrid.

Al final de sus estudios, contrajo matrimonio con uno de sus compañeros de estudios, Gerardo Lizárraga, con quien parte a París, Francia, donde residirá durante un año. A su retorno en 1932, se establece en Barcelona, donde ejerce en compañía de su esposo el oficio de dibujante publicitario.

En 1935 se separó de su primer esposo, y conoce al pintor Esteban Francés, quien la introduce al círculo surrealista de André Breton. Una vez familiarizada con el movimiento surrealista, se integra al grupo Logicofobista, que pretendía representar los estados mentales internos del alma, utilizando formas sugerentes de tales estados. Durante su colaboración con este grupo, Remedios Varo pinta L´Agent Double, obra que ya anticipa su estilo reconocido posteriormente.

Durante la guerra civil española, Remedios Varo opta sin dudar por el lado republicano. También durante este período y en buena medida gracias a su activo soporte a los antifascistas, conoce al poeta Benjamín Péret, con quien establece una relación amorosa, y parte por segunda vez a París, ciudad donde residirá hasta la invasión nazi.

En 1941 la pintora y el poeta abandonan la Francia ocupada y emigran a México, país donde gracias a la política del presidente Lázaro Cárdenas de acogida de refugiados políticos, son rápidamente naturalizados y autorizados a desarrollar una actividad laboral.

En 1947 Remedios se separa de Benjamín Péret, quien retorna al París ya liberado para entonces. Gracias a sus contactos anteriores y sus actividades en México, Remedios parte ese año a Venezuela, como integrante de una expedición científica del Instituto Francés de América Latina. Estando en Venezuela, además de su trabajo de ilustradora entomológica, la pintora pudo continuar enviando carteles publicitarios para Bayer, así como trabajar un corto lapso para el instituto de malariología venezolano.

En el año de 1949 retorna a México, donde continuará con su labor de ilustradora publicitaria. Hasta que en 1952 contrae segundas nupcias con el político austríaco Walter Gruen, con quien permanecerá hasta el final de sus días.

Fue Gruen quien convence a Remedios Varo de abandonar sus labores comerciales, para consagrarse totalmente a la pintura.

En 1955, la pintora presenta al público sus trabajos en una primera exposición colectiva, en la galería Diana de la Ciudad de México, seguida al año siguiente de una exposición individual.

Durante su estancia en México, la pintora conoció personalmente a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera, pero estableció nexos de amistad más fuertes con otros intelectuales en el exilio, en particular la también pintora surrealista Leonora Carrington.

Falleció de un paro cardíaco el 8 de octubre de 1963 en Ciudad de México.

La obra de la pintora es vasta y compleja, ameritando un análisis más profundo que el que puede darse en este espacio.

Empero, puede mencionarse que la obra de Remedios Varo posee un estilo característico y fácilmente reconocible. En su obra aparecen con frecuencia figuras humanas estilizadas realizando tareas simbólicas, en las cuales se tienen a la vez elementos oníricos y arquetípicos. Su obra entera está teñida de una atmósfera de misticismo, pero plasmado en las figuras representativas del mundo secular moderno. Su pintura está puntualizada por un marcado interés por la iconografía científica. De allí que en tiempos recientes, las obras de la pintora sean retomadas cada vez con más frecuencia en la literatura de divulgación.

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Leonora Carrington

2011-06-13T07:00:00.000+02:00

Nace el 6 de abril de 1917 en el pueblo de Chorley, en Lancashire, Inglaterra. En el año 1936 ingresa en la academia Ozenfant de arte, en la ciudad de Londres. Al año siguiente conoce a quien la introdujo indirectamente en el movimiento surrealista: el pintor alemán Max Ernst, a quien vuelve a encontrar en un viaje a París y con quien no tarda en establecer una relación sentimental. Durante su estancia en esa ciudad entra en contacto con el movimiento surrealista y convive con personajes notables del movimiento como Joan Miró y André Breton, así como con otros pintores que se reunían alrededor de la mesa del Café Les Deux Magots, como por ejemplo el pintor Pablo Picasso y Salvador Dalí

En 1938 escribe una obra de cuentos titulada La casa del miedo y participa junto con Max Ernst en la Exposición Internacional de Surrealismo en París y Ámsterdam.
Previamente a la ocupación nazi de Francia, varios de los pintores del movimiento surrealista, incluida Leonora Carrington, se vuelven colaboradores activos del Kunstler Bund, movimiento subterráneo de intelectuales antifascistas.

Leonora Carrington tenía solo 20 años cuando conoció a Max Ernst en Londres. Entonces el pintor ya contaba con 47 años y con bastante fama como surrealista. La gran diferencia de edad, el hecho de que Ernst además estaba casado, así como sus posiciones surrealistas radicales hacían que esta relación no contara con la anuencia del padre de Leonora. A pesar de ello, la pareja se reencontró en París y pronto se fueron a vivir a la provincia, al poblado de Saint-Martin-d'Ardèche, en una casa de campo que adquirieron en 1938. Hasta hoy se conserva en la fachada de esta casa un relieve que representa a la pareja y su juego de roles: «Loplop», el alter ego de Max Ernst, un animal alado fabuloso entre pájaro y estrella de mar y su «Desposada del Viento»: Leonora Carrington.

La vida tranquila y feliz de la pareja en este sitio duró solo un año. En septiembre de 1939 Max Ernst fue declarado enemigo del regimen de Vichy. Tras su detención y prisión en el campo de Les Milles, Leonora sufre una desestabilización psíquica. Ante la inexorable invasión nazi, se ve además obligada a huir a España. Por gestión de su padre es internada en un hospital psiquiátrico de Santander. De este período la pintora guardará una marca indeleble, que afectará de manera decisiva su obra posterior. Leonora describe, en su obra autobiográfica los pormenores de esta dramática historia.

En 1941 escapa del hospital y arriba a la ciudad de Lisboa, donde encuentra refugio en la embajada de México. Allí conoce al escritor Renato Leduc, quien terminará ayudándola a emigrar. Ese mismo año contraen matrimonio y Leonora viaja a Nueva York. En 1942 emigra a México y en 1943 se divorcia de Renato Leduc. En México, la pintora restablece sus lazos con varios de sus colegas y amigos surrealistas en el exilio, quienes también se encuentran en ese país, tales como André Breton, Benjamin Péret, Alice Rahon, Wolfgang Paalen y la pintora Remedios Varo, con quien mantendrá una amistad particularmente duradera.

Fue ganadora del Premio Nacional de Bellas Artes, otorgado por el gobierno de México en el 2005.

Falleció a los 94 años en la Ciudad de México el 25 de mayo del 2011.

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WEB Leonora Carrington

Helene Schjerfbeck

2011-06-11T07:11:00.000+02:00

El talento precoz de Helene Schjerfbeck y una lesión de cadera sufrida a la edad de cuatro años, le afectaron durante toda su vida. Ingresó en la Escuela de la Sociedad Finlandesa de Arte en 1873, asistiendo después a la academia privada de Adolf von Becker en Helsinki de 1877 a 1878. Como su familia no era adinerada, Helene tuvo que depender de becas. En 1880 pudo marchar a París, donde estudio en la academia para mujeres de Mme. Trélat de Vigny, y en 1881, pasó a la Académie Colarossi. El tiempo pasado en las colonias de artistas en Concarneau y Pont-Aven en el verano de 1881 y en 1883-1884, fue vital para su desarrollo.

La primera obra importante expuesta por Schjerfbeck, Soldado herido en la nieve (1880, Ateneum, Helsinki), comprada para la colección de la Sociedad Finlandesa de Arte el mismo año en que fue pintada, muestra claramente lo que se esperaba de ella en Finlandia, donde la pintura histórica aún seguía gozando de la mayor estima. Sin embargo, pronto se interesó por el paisajismo. Funeral en Bretaña (1884, Museo Pojanmaan, Vaasa), obra paisajista madura, fue aceptada para el Salón de París el año en que fue terminada. Aquella fue la segunda vez que Schjerfbeck expuso en el Salón, pero ya en 1881 su Muchacho dando de comer a su hermanita (Ateneum, Helsinki) había mostrado el naturalismo por excelencia, y también entonces fue vanguardista. La originalidad de Schjerfbeck está, no obstante, en obras más espontáneas e impresionistas, tales como La puerta. La obra temprana más importante de la pintora es La convaleciente (1888, Ateneum, Helsinki) pintada en St. Ives, Inglaterra, por la que recibió una medalla de bronce en la Exposición Universal de París en 1889.

En la década de 1890, Helene Schjerfbeck dio clases en Helsinki, pintando poco, y, en 1902, ella y su madre se mudaron a la ciudad de Hyvinkää. La lucha nacionalista de Finlandia y el simbolismo narrativo no la inspiraron, ya que su propio enfoque era esencialmente subjetivo. Comenzó a desarrollar su estilo modernista y se concentró en la pintura de tipos y en simplificar la expresión a lo esencial. La mordacidad de sus autorretratos alrededor de los ochenta años de edad los hace únicos en la historia del arte. Desarrolló de forma consecuente su enfoque pictórico, como podemos apreciar en sus bodegones coloristas. Sin embargo, su gran pasión siguió siendo pintar al prójimo, su espíritu y su carácter. En la actualidad es una de las artistas más famosas de Finlandia.

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WEB Helene Schjerfbeck